Katalog zum Kunst-am-Bau-Projekt „262 Klinken“ der Rosa-Luxemburg-Stiftung in Berlin

Herausgeber:
ARGE Beeren Petry
Willem-Jan Beeren
Paul Jonas Petry

Gestaltung und Texte (sofern nicht anders angegeben):
Willem-Jan Beeren

Papier und Druck:
Munken Polar 150 g/m2 (Innenseiten) und 300g/m2 (Umschlag)
Offsetdruckerei Grammlich, Pliezhausen
Selbstverlag

Texte:
Theodor Storm

Kompositionen, Arrangements, Mixing:
Morten Vinther Sørensen

Musikalische Leitung:
Andrea Figallo

Solistinnen (Track 1):
Judith Koch, Tine Nuss, Verena von Massow

Vocal Percussion:
Andrea Figallo

Produktion:
Andrea Figallo, Morten Vinther Sørensen

Mastering:
Erik Bosio

Gestaltung, Foto:
Willem-Jan Beeren

Aufnahmen:
Track 1: 21.01.2023, Evangelisch-freichristliche Gemeinde
Bonn-Plittersdorf.
Track 2, 3: 03.10.2021, Musikakademie Henneberger Bonn

Unteres Titelbild: Klinke der Liliesleaf Farm, Johannisburg (SA), Teil des Kunst-am-Bau-Projektes „262 Klinken“ von Paul Jonas Petry und Willem-Jan Beeren im Neubau der Rosa-Luxemburg-Stiftung Berlin (Foto: Willem-Jan Beeren)

Was ist Architektur? Diese Frage beschäftigt uns von Anfang an des Architekturstudiums an der Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft in Alfter. Im Einstiegsmodul „Mensch, Architektur, Gesellschaft“ und insbesondere in den Veranstaltungen des Modulbereichs „Architektur und Kunst“ widmen wir uns übend, erlebend und denkend dieser Frage. Dabei entsteht ein Pendelschlag zwischen Produktion und Rezeption, Expression und Impression, einer Grundbewegung, die allem Entwerfen zugrunde liegt.

In seinem Buch „Architektur Erlebnis“ beschreibt Steen Eiler Rasmussen eine Begebenheit mit einem Bauherrn: „Ich sollte einmal einem Mann einen Entwurf zu seinem Haus erklären. Als er die Zeichnungen betrachtete, sagte er abwehrend: ‚Ich habe nun einmal einen Schnitt nicht gern.‘ Er war eine zartbesaitete Natur. (…) Es kann (…) sein, daß seine Abneigung gegen den Schnitt von der richtigen Ansicht stammte, daß die Architektur etwas unteilbares sei.“^[1]

Wie soll man etwas studieren, was im Grunde „unteilbar“ ist? Denn im Studium ist es unerlässlich, sich dem Ganzen in Schritten und Teilaspekten zu nähern, will man es schließlich zu einer wie auch immer gearteten Meisterschaft bringen. Schon Goethe ließ Mephisto im ersten Teil von Faust die berühmten Worte sagen: „Wer will was Lebendigs erkennen und beschreiben / Sucht erst den Geist herauszutreiben, / Dann hat er die Teile in seiner Hand, / Fehlt, leider! Nur das geistige Band.“^[2]

Nun formuliert Rasmussen weiter: „Man soll nicht erwarten, genau erklären zu können, was sie ist (die Baukunst, Anm. des Verf.) – die Grenzen sind unbestimmt. Kunst soll überhaupt nicht erklärt werden, sie soll wahrgenommen werden – man soll sie erleben, um sie zu verstehen.“^[3]

In diesen Worten steckt eine Methode, die wir auf das Studium der Architektur anwenden: Erleben, um zu verstehen. Das bevorzugte Mittel, um das Erleben anzuregen, ist dabei die eigene künstlerisch-gestalterische Tätigkeit: Im Erleben der eigenen schöpferischen Tätigkeit wird das Erzeugte verstanden, in anderen Worten: Im übenden Entwerfen von Architektur wird Architektur erlebt und verstanden.

„Es ist Gründonnerstag. Ich sitze in der langen Loggia der Tuchhalle. Vor mir das Panorama des Platzes mit Häuserfront, Kirche und Monumenten. Die Wand des Cafés im Rücken. Die richtige Dichte von Menschen. Ein Blumenmarkt. Sonne. Es ist 11 Uhr vormittags. Die gegenüberliegende Platzwand liegt im Schatten, wirkt angenehm bläulich. Wunderbare Geräusche: Nahe Gespräche, Schritte auf dem mit Steinplatten belegten Platz, leichtes Gemurmel der Menge (keine Autos, kein Motorenlärm), ab und zu entfernte Baugeräusche. Vögel, schwarze Punkte, fliegen eifrig und freudig, so kommt es mir vor, ein kurzwelliges Linienmuster in die Luft. Die beginnenden Feiertage haben die Schritte der Menschen bereits verlangsamt, so scheint es. Zwei Nonnen, lebhaft gestikulierend, gehen quer über den Platz; leichtfüßig, ihre Hauben wehen im Wind. Jede trägt eine Plastiktasche. Die Temperatur ist angenehm frisch und warm zugleich. Ich sitze auf einem gepolsterten Sofa aus bleichgrünem Samt. Die Bronzefigur auf dem hohen Sockel vor mir auf dem Platz dreht mir den Rücken zu und schaut wie ich auf die zweitürmige Kirche. Die zwei Türme der Kirche haben ungleiche Helme, beginnen unten gleich und werden gegen oben hin individueller. Einer ist höher und hat eine um die Helmspitze gelegte Goldkrone.“^[4]

Unter der Überschrift „Die Magie des Realen“ zitiert Peter Zumthor aus einem seiner Notizbücher. Was hier geschrieben wird, ist konkrete Architekturerfahrung: Weniger eine formale Beschreibung eines Gebäudes, eines Raumes, eines Platzes als vielmehr die Interaktion, die Choreografie, die durch die baulichen Rahmenbedingungen entsteht. An diesem Beispiel zeigt sich, dass Architekturerfahrung vielschichtig ist. Insbesondere die Gleichzeitigkeit und Überlagerung verschiedener Sinneseindrücke macht eine Architekturerfahrung zu einem synästhetischen und immersiven, den Betrachter einschließenden Erlebnis.

Um diese Komplexität nun zumindest anfänglich zu durchdringen, nehmen wir uns im Laufe des Architekturstudiums in dafür vorgesehenen Lehrveranstaltungen einzelne Sinnesbereiche vor und verknüpfen diese mit ausgewählten künstlerischen Methoden. Die Sinneslehre Rudolf Steiners^[5] und darauf aufbauenden Arbeiten u.a. von Herbert Hensel und Hans Jürgen Scheurle^[6] sind uns dabei ebenso Richtschnur wie der aktuelle Diskurs zur Architekturwahrnehmung und -psychologie^[7]. 

Sehen lernen

Wir fragen uns: Was sehen wir? Wenn wir versuchen, zu beschreiben, was wir sehen, verlassen wir in den allermeisten Fällen unbewusst bald den rein wahrnehmenden Bereich und beschreiben interpretative, gedachte und vorgestellte Elemente: Ich sehe einen Baum, ein Haus, ein Fenster, eine Tür. Es sind Begriffe, die wir benutzen, um dem einen Namen zu geben, was sich uns als Sinneseindruck entgegenstellt. Wenn wir streng bei dem bleiben, was wir wirklich sehen, können wir lediglich Substanzqualitäten, Materialeigenschaften, Farben, Lichtabstufungen umschreiben. Die gesehene Welt ist eine Welt visueller Qualitäten, bestehend aus Farben, Licht und Schatten. 

Als Unterstützung dieser Steigerung des Sehens zeichnen wir. Das Zeichnen führt meine Aufmerksamkeit in die gesehene Welt und zugleich in die zeichnende Hand. Wenn ich es schaffe, mich von der Vorstellung zu lösen, eine möglichst realistische Abbildung des Gesehenen zu erhalten, entsteht eine unmittelbare Verbindung von Gesehenem und dem Zeichnenden. Meine Aufmerksamkeit pendelt zwischen Objekt und Zeichnung und das Gefühl der Kongruenz wird zum Gradmesser der gelingenden Tätigkeit. Je mehr ich es schaffe, im Sehvorgang in das Gesehene aufzugehen, desto unmittelbarer und „richtiger“ wird die Zeichnung: Sie wird kongruent zu dem Gesehenen, ohne bloß ein Abbild zu sein.

Wir zeichnen im Architekturstudium von Anfang an und kultivieren dies auch auf Reisen und Exkursionen. Gerade im Zeitalter der digitalen Entwurfswerkzeuge bleibt das Zeichnen relevant, nicht nur als Darstellungs-, sondern aufgrund seiner erzieherischen Eigenschaft vor allem als grundlegende Wahrnehmungshilfe.

Wahrnehmen mit dem Leib

Das Erlebnis von Architektur geht weit über die rein visuell, Gestalten und Formen erfahrende Tätigkeit hinaus. Denn Architektur ist nicht in erster Linie Form, sondern Raum. Wir verstehen Raum dabei nicht als leeren Behälter, sondern mit Christopher Dell „als dynamische Konstellation, die performativ produziert wird.“^[8] Die Raumwahrnehmung ist ein Zusammenspiel verschiedener Sinneseindrücke, die insbesondere aus der Selbstwahrnehmung der eigenen leiblichen Tätigkeiten resultieren. Wir unterscheiden dabei Körper von Leib: Der Körper ist das äußerlich wahrnehm-, mess- und wägbare Objekt, der Leib das sich innerlich erlebende, wahrnehmende und sich bewegende Subjekt.

Will man ein Gebäude in Gänze erfassen, ist es in der Regel zu groß ist, um es auf einen Blick, aus einer Perspektive zu greifen. Man muss sich im Gebäude bewegen, es in der Bewegung von verschiedenen Seiten begehen und über die Verknüpfung einzelner Erlebnisse als lebendiges Bild in sich aufbauen. Dabei wird man kontinuierlich leiblich angeregt und zur leiblichen Nachahmung aufgefordert. Die z.B. von Wolfgang Meisenheimer beschriebenen „Zeigequalitäten“ der Architektur, die Gesten und Choreografien des Raumes und der Raumabfolgen regen in uns Bewegungen an, über die wir innerlich Anteil nehmen an dem, was äußerlich vor sich geht^[9]. 

Ein besonderes Augenmerk im zweiten Semester des Architekturstudiums legen wir auf die Sensibilisierung und Aktivierung dieser Leibwahrnehmung. Dafür unterrichten wir Feldenkrais, Bothmergymnastik und Spatial Dynamics ® (nach Jaimen McMillan), die, in unterschiedlicher Methodik und aus verschiedenen Hintergründen entstanden, Übungen anbieten zur Leib- und Raumwahrnehmung. Dabei gehen diese Übungen von einzelnen Menschen, seinem individuellen Verhältnis zum Raum aus, um in komplexeren Übungen auch soziale Beziehungen wie das Verhältnis von Nähe und Distanz zu thematisieren.

Wahrnehmung ist Berührung

Im Wahrnehmen nehmen wir Kontakt auf zur Welt. In jeder Sinneswahrnehmung findet eine Berührung statt, eine Begegnung des Eigenen mit dem Anderen. Am offensichtlichsten passiert dies beim Tasten, wo Selbst- und Welterfahrung unmittelbar miteinander verbunden werden. Dabei werden wir grundlegenden Oberflächenqualitäten gewahr wie Glätte, Rauhheit oder Festigkeit und versichern uns damit sowohl einer außer uns befindlichen als auch unserer eigenen Existenz. Für Juhani Pallasmaa ist diese Erfahrung des „In-der-Welt-Seins“ die grundlegende Aufgabe der Architektur^[10].

Im Plastizieren mit Ton erfahren wir an den Grenzflächen unserer Haut unmittelbar dieses „Andere“. Wir erleben eine Steigerung zum Sehen und Zeichnen: Das Wahrgenommene widersetzt sich, ein Kräftespiel von Eindruck und Ausdruck, Weichheit und Härte beginnt. Fast beiläufig entsteht Form als Real-Bild dieser Aus- und „Ineinandersetzung“.

Wir verfolgen die Spur in Richtung grundlegender plastischer Phänomene wie konvex-konkax, organisch-kubisch, Innen-Aussen und wir entwickeln in freien Projekten sowohl ein Handwerkzeug als auch ein Gespür für Objektformen jeglicher Art. Als willkommener Ausgleich zum klassischen Entwurfsprozess geht dabei das Machen dem Planen voraus; das Vertrauen in die „manuelle Intelligenz“ wird gestärkt.

Architektur als Klang

Die visuelle Wahrnehmung steht uns beim Erleben von Architektur vielfach im Weg. Wir vertauschen Form mit Raum und verpassen das eigentlich Architektonische in der Wahrnehmung. Eine unmittelbare Begegnung mit Raum entsteht im Hören. Der Klang eines Raumes verrät mehr über seine Beschaffenheit, seine Proportionen und Dimensionen, seine Atmosphäre als die bloß sichtbaren Bestandteile. Im Hören erleben wir Tiefe, statt sie bloß perspektivisch verkürzt zu sehen. 

„Sehen isoliert, hören hingegen nimmt auf und schließt ein; Sehen ist ein streng ausgerichteter Vorgang, Hören dagegen nimmt Reize aus allen Richtungen auf. Der Sehsinn impliziert eine Außenwelt, Töne und Geräusche schaffen dagegen eine Innenwelt. (…)

Hören strukturiert unser Raumverständnis und verleiht unserer Raumerfahrung eine akustische Form. (…) Sehen ist die Wahrnehmungsform des einsamen Beobachters, wohingegen Hören ein Gefühl der Verbundenheit und Zusammengehörigkeit schafft. (…) Wir berühren die Grenzen des Raumes, wenn wir ihn hören.“^[11]

In Lehrveranstaltungen zu Klang und Raum hören wir zunächst den Raum und identifizieren Klänge im gebauten oder öffentlichen (Aussen-)Raum. Wir versuchen mithilfe der Klangbeschreibungsmethode von R. Murray Schafer, dem Begründer der soundscape Forschung^[12], einzelne Klangereignisse nach Parametern zu beschreiben. Wir erzeugen selbst Klänge und entdecken die Wechselwirkungen mit dem Raum. Wir entwickeln schließlich eigene Klanginstallationen, die den vorhandenen Raumeindruck erneuern, steigern, konzentrieren.

Ganzheiten bauen

Die größte Herausforderung im Architekturstudium besteht darin, reale und nicht nur simulierende Raumgestaltungserlebnisse zu haben. Als entwerfende ArchitektInnen sind wir fortwährend simulierend tätig. Wir stellen uns und anderen in den Darstellungsformen, die wir wählen (Grundrisse, Schnitte, Lagepläne, Modelle, Computersimulationen etc.) eine gebaute Zukunft vor, die noch nicht real ist. Wir versuchen, die später zu realisierende Ganzheit in ihren wesentlichen Merkmalen vorwegzugreifen und können uns dabei nur unzureichender Hilfsmittel bedienen.

Mit räumlich, zeitlich und thematisch begrenzten Interventionen und Rauminstallationen nähern wir uns dem Raum im realen Maßstab 1:1. Wir entwerfen im direkten Gestalten von Raum und lassen uns unmittelbar vom momentanen Ergebnis anregen, den Entwurf anzupassen. Dem anfangs beschriebenen Pendelschlag zwischen Produktion und Rezeption, Gestalten und Wahrnehmen, kommen wir im architektonischen Medium „Raum“ so am Nächsten. Wir bemühen keine intermediäre Darstellungstechnik, die bloß Verweis auf das später zu realisierende Raumkonstrukt ist, sondern arbeiten „in medias res“. Zugleich erleben wir die Komplexität der Raum- und Architekturerfahrung im eigenen Tun. Wie in einem Mobilé werden die Bestandteile der Raumgestaltung austariert und zu einer stimmigen Gesamtkomposition verdichtet. Wir versuchen so, der Unteilbarkeit von Architektur gestaltend und erlebend auf die Spur zu kommen. 

Mensch und Architektur

Neben der experimentellen und explorativen Auseinandersetzung mit der Wahrnehmung von Architektur schreiben wir in Kooperation mit dem Studium Generale, dem philosophischen und ästhetischen Bildungsangebot aller Studiengänge der Alanus Hochschule eigene wissenschaftliche Hausarbeiten zur Fragestellung. Hier werden ausgewählte Positionen zur Wahrnehmungslehre reflektiert und in Beziehung gesetzt zu den eigenen Erfahrungen im Entwerfen und Erleben von Architektur.

Wenn Architektur, wie Rasmussen eingangs beschreibt, etwas Unteilbares ist, dann schließt sie uns als Menschen mit ein. Sich dieser Wechselwirkungen zwischen Mensch und Architektur immer wieder wahrnehmend bewußt zu werden, ermöglicht uns so Selbst- und Welterkenntnis. 

^[1] Steen Eiler Rasmussen: ›Architektur Erlebnis‹, Stuttgart 1980; S. 9

^[2] Johann W. v. Goethe: Faust. Eine Tragödie erster Teil, München 1993; S. 58

^[3] Steen Eiler Rasmussen: ›Architektur Erlebnis‹, Stuttgart 1980; S. 9

^[4] Peter Zumthor: ›Die Magie des Realen‹, in: ›Architektur Denken‹, Basel 2003; S. 83f.

^[5] Rudolf Steiner: „Anthroposophie. Ein Fragment (GA 45)“, Dornach 2002 und Rudolf Steiner: „Von Seelenrätseln (GA 21), Dornach 1983

^[6] Hans Jürgen Scheurle: „Die Gesamtsinnesorganisation. Überwindung der Subjekt-Objekt-Spaltung in der Sinneslehre“, Stuttgart 1984

^[7] Z.B. Alexandra Abel und Bernd Rudolf: (2019) „Architektur wahrnehmen“, Bielefeld, 2019 oder Jörg Grütter, „Grundlagen der Architektur-Wahrnehmung“, Wiesbaden, 2015.

^[8] Christopher Dell: ›Wissen des Urbanen‹, in: ›Auf dem Weg zur Stadt als Campus‹, Berlin 2015; S. 41.

^[9] Wolfgang Meisenheimer: „Das Denken des Leibes und der architektonische Raum, Werkzeug – Denkzeug“, Köln 2014

^[10] Juhani Pallasmaa: „Die Augen der Haut. Architektur und die Sinne“, Los Angeles 2013, S. 14

^[11] Ebd., S. 62f.

^[12] Raymond Murray Schafer: „Die Ordnung der Klänge: eine Kulturgeschichte des Hörens.“ Mainz, 2010

Die in diesem Buch versammelten Fotografien sind über einen Zeitraum von ca. 10 Jahren entstanden und reflektieren ganz unterschiedliche Zugänge zum Doppelphänomen Raum und Zeit, den beiden Grundkategorien unserer menschlichen Existenz. Während Raum das Neben-Einander und Da-Zwischen, das Weite und Nahe, das Obere und Untere, das Vorne und Hinten offenbart, entwickelt Zeit das Nach-Einander und In-Zwischen, das Frühere und Spätere, das Schon und Noch Nicht, das Schnelle und Langsame. Im komplexen Zusammenspiel beider entstehen Konstellationen existentieller Atmosphären in unterschiedlicher Dichte. 

Diese Atmosphären in Fotografien zu erfassen, bedeutet, sie auf Unräumliches und Unzeitliches zu reduzieren: Unräumlich, weil der unendliche Raum auf einen Sehwinkel begrenzt und zum zweidimensionalen Bild wird. Unzeitlich, weil aus dem kontinuierlichen Zeitstrom des Lebens eine Momentaufnahme, der berühmte „moment décisif“ (Henri Cartier-Bresson) herausgelöst und festgehalten wird. In dieser zweifachen Reduktion wiederum liegt die Möglichkeit künstlerischer Intervention und Interpretation, zugleich ein Freiheitsgrad zur individuellen Gestaltung und nicht bloß zur wirklichkeitsgetreuen Abbildung. Fotografien erzählen daher immer mindestens zwei Geschichten: Die von dem Fotografierten und die von dem Fotografen, vom Gesehenen und vom Sehenden. Das scheinbar Objektive und Subjektive verschmelzen im Foto zur Einheit. 

Auch wenn auf dem ersten Blick manches willkürlich ausgesucht und zusammengestellt aussieht, können sich bei näherer Betrachtung Beziehungen quasi-räumlicher und zeitlicher Art auftun zwischen Gesten, Farben, Formen, Bewegungen oder Strukturen. Im besten Fall erzeugen die Bilder neue Räume und Momente ästhetischer, also sinnlich erlebbarer Verbundenheit.

Kunst kann den Raum verwandeln und eine (neue) doppelte Sinn-Beziehung ermöglichen: Sinnhaftes vermitteln und Sinnliches erzeugen. Im besten Fall entsteht dabei Resonanz durch Begegnung und wird der Raum zum Ausdruck ästhetischer Weltbeziehung.

In seinem Buch „Resonanz. Eine Soziologie der Weltbeziehung“ beschreibt der Soziologe Hartmut Rosa Bedingungen gelingender Weltbeziehungen durch das Prinzip der Resonanz: „Resonanz ist das (momenthafte) Aufscheinen, das Aufleuchten einer Verbindung zu einer Quelle starker Wertungen in einer überwiegend schweigenden und oft auch repulsiven Welt. (…) Die Wirkung von Resonanz ist (…) weniger eine der unmittelbaren Bestätigung und Bekräftigung (…) als vielmehr eine der Verwandlung: Berührung meint immer auch eine Verflüssigung der Weltbeziehung, deren Folge es ist, dass Selbst und Welt verändert aus der Begegnung hervorgehen. Daher (…) sind Resonanzbeziehungen Ausdruck gelingender Anverwandlung von Welt, nicht Formen ihrer Aneignung im Sinne einer Ressourcenerweiterung.“^[i]

Anverwandlung ist eine resonante Weltbeziehung, auf die ich mich einlasse, deren Ergebnis aber offen ist. Sie kann gelingen, ist aber nicht kontrolliert verfügbar. Was bei Hartmut Rosa ein in alle Lebensbereiche hineinwirkendes Prinzip ist, gilt insbesondere für die Kunst, sei es im schöpferischen Schaffen als auch im tätigen Wahrnehmen: „Was wir als Schönheit erfahren, (…) ist (…) die zum Ausdruck gebrachte Möglichkeit einer resonanten Weltbeziehung, die Möglichkeit einer Art des In-der-Welt-Seins, in der Subjekt und Welt einander antworten. Schönheit bezeichnet eine Beziehungsform.“^[ii]

Ganz im Sinne dieser Anschauung formuliert der finnische Architekt und Architekturtheoretiker Juhani Pallasmaa im Hinblick auf Architektur und die Wahrnehmung von Raum: „Wie jede Kunst befasst sich Architektur im Wesentlichen mit Fragen der menschlichen Existenz im Raum und Zeit; sie drückt aus und erzählt, wie es sich mit dem menschlichen Dasein in der Welt verhält.“^[iii]. Während Architektur die Aufgabe hat, „uns – auch geistig – zu beherbergen und in die Welt zu integrieren“^[iv] (Pallasmaa), kann Kunst sinn-bildend sein in doppelter Weise: Neue Gedanken und Begriffe hervorrufen und durch differenzierte Sinnlichkeit differenzierte Wahrnehmungstätigkeit (aus)bilden: „Kunst kann, vielleicht als einziger Lebensbereich, aus dem individuellen Willen heraus, Welt verwandeln und gestalten zu wollen, den Menschen als tätiges Wesen impulsieren und damit Sinne und Sinn immer neu beleben.“^[v]

Den im Nachfolgenden vorgestellten Projekten gemeinsam ist der Versuch, Architektur- und Stadträume mit Mitteln der (bildenden und darstellenden) Kunst zu untersuchen, ihre jeweiligen Themen zu identifizieren, verborgene Potentiale zu heben und den spezifischen Ort durch temporäre Eingriffe zum Sprechen zu bringen. In Anknüpfung an das zuvor Beschriebene zeigen die Projekte Aspekte der Anverwandlung von Raum durch Kunst: Von objekthaften Besetzungen des Raumes über dekorative Auskleidung bis hin zu ephemerer Aufladung. Da einige dieser Projekte im Rahmen von Hochschulveranstaltungen an der Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft durchgeführt wurden, dokumentieren sie zugleich die Absicht, neue Lehr- und Vermittlungsformate durch Reallabor-Situationen zu entwickeln und auszuprobieren.

Raum und Objekt

Mit dem Projekt „Lattenwald“ hat die interdisziplinäre Künstlergruppe beispielhaft.com (Willem-Jan Beeren, Paul Jonas Petry, Ludger Molitor) 2009 einen europaweit ausgeschriebenen Wettbewerb der Hornbach AG gewonnen. Prämiert wurde der Projektvorschlag, am neuen Campus der Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft in Alfter bei Bonn aus Dachlatten einen temporären „künstlich-künstlerischen Wald“ zu gestalten. Aus über 8.000 Dachlatten und einem groben Prinzipmodell entstand in zwölf Tagen mit zwölf Bildhauern und Architekten ein organisches Wachstum, das sich wald-artig in den bestehenden Zwischenraum des Campus hineinarbeitete. Die so entstandene skulpturale Intervention schuf einen spannungsreichen Kontrast zur zurückhaltenden Strenge der Architektur auf dem Campus und drückte den „lebendigen Geist“ der Kunsthochschule sinnlich-sichtbar aus. Neben dem aufsehenerregenden Endresultat wurde im Rückblick von den Beteiligten immer wieder der Entstehungsprozess als das eigentliche Kunstwerk beschrieben: Die gemeinsam getragene Arbeitsweise im Spannungsfeld zwischen Individuum und Kollektiv, zwischen (individuell) machen und (gemeinschaftlich) beurteilen, prägte das Ergebnis, das sich in dieser einmaligen Form zuvor keiner hätte ausdenken können, maßgeblich. Der Raum der Hochschule wurde durch das Objekt belebt, das Leben der Hochschule als Räumliches sichtbar.

Raum der Beziehungen

Auf Einladung des Museums für Architektur und Ingenieurkunst (M:AI) in Kooperation mit der Stiftung Zollverein, dem Regionalverband Ruhr (RVR) und der Emschergenossenschaft entwickelte der Verfasser mit Florian Kluge 2014 das Projekt „NetzWerk“ am Kammgebäude auf dem Gelände des UNESCO-Weltkulturerbes Zeche Zollverein. Anlass war die Ausstellung „Produktive StadtLandschaften“, die sich dem Emscher Landschaftspark, dem international anerkannten Landschaftsprojekt zum Umbau einer alten Industrieregion, widmete. Der Emscher Landschaftspark ist kein Park im traditionellen Sinn, er ist vielmehr als Baustein der Stadt- und Regionalplanung zu einem verbindenden Element, einem „NetzWerk“ geworden und verleiht dem Ruhrgebiet eine neue Identität. 

Das Ausstellungsprogramm wurde um eine temporäre Intervention ergänzt, die den Emscher Landschaftspark und die Besonderheit des Ortes Zollverein aufgriff, Aufmerksamkeit für das neu erschlossene Kammgebäude und die Ausstellung weckte und das Ausstellungsthema im Außenbereich des Gebäudes künstlerisch interpretierte. Über 50km Kilometer Schnur wurden vor dem Kammgebäude zu einer großformatigen Netz-Landschaft verwoben, die den Raum neu definierte. Das Raumgeflecht schließt an die zentrale Rolle des Emscher-Landschaftsparks an, der in der Ausstellung thematisiert wurde: Der Freiraum ist es, der die Städte des Ruhrgebiets in unterschiedlichster Ausprägung miteinander verbindet, verwebt und vernetzt. Als Baumaterial wurde weiße Gärtnerflechtleine gewählt, die ohne kompliziertes Werkzeug eine Installation mit räumlich prägnanter Wirkung ermöglichte. Farbe, Haptik und Optik des filigranen Materials kontrastierten angenehm mit dem Ambiente des Zollverein-Ensembles. Ausstellung und Installation waren zudem Teil des Erlebnisprogramms Emscher Landschaftspark, das in Trägerschaft des Regionalverbandes Ruhr viele Touren, Führungen und inszenierte Picknicks zur Erkundung des Parks anbot.

Innen und Aussen

Jedes Jahr vor Ostern öffnet die Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft ihre Ateliers und Werkstätten zu den Tagen der offenen Tür. Zentrum und Keimzelle der Hochschule seit ihrer Gründung 1973 ist der Johannishof in Alfter, ein über die Jahrzehnte in sehr viel Eigenleistung um- und angebauter Vierkanthof mit langer Historie. Die Künstlergruppe beispielhaft.com hat über viele Jahren zu diesem Anlass den Innenhof künstlerisch bespielt und den Raum jedes Mal mit einem neuen Material, einer neuen Technik und einer neuen Haltung verwandelt. Eine der größten sichtbaren Veränderungen erfuhr der Raum 2014, als er bis unter die Traufkanten der inneren Dachflächen mit goldenen Rettungsfolien ausgelegt wurde. Über zwei Tage konnte man mitverfolgen, wie sich nach und nach der vertraute Raum in ein goldenes Kleid hüllte, architektonische Details unter einer Schicht aus sanft geschwungenen Folien verschwanden und sich eine knisternde Klangkulisse aufbaute. Durch die Sonne noch verstärkt betrat man nach Fertigstellung eine phantastisch-surreale Gold-Landschaft, die einen warm umhüllte. Die goldene Farbe vermittelte eine edle und kostbare Stimmung, die sich auf das Verhalten der Menschen in diesem Raum unmittelbar auswirkte. Eine Andächtigkeit und Erhabenheit entstand, wo im Alltag reges Treiben, Begegnung, Gespräch und Durchgangsverkehr herrscht.

Zum Abschluss des Projektes wurden alle Folien nach und nach wieder entfernt und zu einer immer größer werdenden Kugel komprimiert. Dabei vollzog sich eine vollständige Umstülpung vom Raum (Weite) zur Kugel (Punkt) und Umkehrung der Farblichkeit, da nun mit der silbernen Rückseite der Folie das alltägliche Grau-Weiß der Wände und des Bodens wiederhergestellt wurde.

Naturraum und Kulturraum

Die „Magie des Realen“ (Zumthor 2006^[vi]) liegt manchmal verborgen, manchmal offensichtlich vor und bedarf nur minimaler Aktivierung, um sie in die Erlebbarkeit zu holen. Natur- und Freiräume haben von jeher besondere atmosphärische Qualitäten, die durch künstlerische Eingriffe weiter gesteigert, akzentuiert oder kontrastiert werden können. Die Land-Art sucht seit ihren Anfängen in den 1960er Jahren nach Ausdrucksformen in, mit und durch Landschaft. 

In mehreren Projekten mit Studierenden sind sowohl in „grünen“ als auch in „weißen“ (Schnee-) Freiräumen Projekte entstanden, die an die Tradition der Land-Art anschließen. Im Waldlabor Köln forscht die Stadtförsterei zusammen mit Wissenschaftlern am Thema „urbaner Wald“. Dabei geht es neben der Langzeitbeobachtung klimaresistenterer Holzarten für den europäischen Wald, einer ressourcenorientierten Waldbewirtschaftung auch um das Experimentieren mit einer neuen Waldästhetik durch bisher unübliche Kombinationen bekannter Holzarten. Um diese Arbeit Laien und Besuchern zugänglicher zu machen, lädt der Lehrstuhl für Landschaftsarchitektur der RWTH Aachen Studierende der Architektur und Landschaftsarchitektur verschiedener Hochschulen (zwei)jährlich zur Waldwerkstatt ein, um das Waldlabor temporär zu bespielen. Die dabei entstehenden künstlerischen Eingriffe überhöhen den landschaftsarchitektonisch angelegten Raum an ausgewählten Stellen, verdichten seine Erlebnis- und Aufenthaltsqualität und kommunizieren einen spielerisch-ernsten Umgang mit dem uns umgebenden Freiraum. Die übliche, eher halbbewußte Naturwahrnehmung bekommt einen Gegen-Stand, der sich dem Betrachter entgegenstellt und zur Aufmerksamkeit anregt. 

Raum als Prozess

Künstlerische Interventionen sind nicht nur geeignet, Eigenschaften des Raumes erlebbar zu machen, sondern auch eine ästhetische Brücke zu den Vorgängen herzustellen, die im Raum stattfinden. Im Temporären und Vorübergehenden steckt das Potential des Performativen. 

Für den Neubau der Rosa-Luxemburg-Stiftung am Berliner Ostbahnhof hat der Verfasser mit Paul Jonas Petry eine künstlerische Strategie entwickelt, die die Architektur mit der Identität der weltweiten Stiftungsarbeit sinnlich erleb- und begreifbar macht. Alle Türen des Neubaus werden nach der Eröffnung Mitte 2020 nach und nach mit Klinken ausgestattet, die über eine mehrjährige partizipative weltweite Sammel- und Tauschaktion Orte, Institutionen und Themen miteinander vernetzt und in der Berliner Zentrale versammelt. Der Eindruck einer international, auf Solidarität und Gemeinschaft ausgerichteten Stiftungsarbeit findet seinen ästhetischen Ausdruck in einer Fülle unterschiedlicher Architekturobjekte des täglichen Gebrauchs. Im Real-Bild der Klinke öffnet sich jeweils die Tür in einen (thematischen) Raum der Rosa-Luxemburg-Stiftung. Zugleich eröffnet das Projekt eine Form der Partizipation der Mitarbeitenden mit der Hoffnung, ihre jeweilige Anverwandlung mit dem Neubau positiv und konkret begleiten zu können. 

Diese Art von ästhetischer Begleitung stellt eine besondere Form der künstlerischen Intervention dar, die es nicht primär auf die Autonomie des Kunstwerks abgesehen hat, sondern eher als sinnliche Verdichtung eines sozialen Prozesses verstanden werden will. 

Den Raum hören

Architektur, wie vieles in unserer visuell geprägten Kultur, wird insbesondere über das Sehen kommuniziert und rezipiert, nicht zuletzt dank digitaler Visualisierungspraktiken. Dabei gehen elementare Raumerlebnisse, die die Architektur von einem bloßen Bild unterscheiden, verloren und verflachen damit auch die Auseinandersetzung mit der gebauten Umwelt auf das „Image“ (Pallasmaa 2013^[vii]). Gerade die Architektur ist ein komplexes, mehr-dimensionales und multisensorisches Phänomen, das eine differenzierte leibliche, seelische und geistige Wahrnehmung voraussetzt (Schneider 1995^[viii]). Dabei kommt dem „peripheren“ (Pallasmaa 2013^[ix]) und „dynamischen“ Wahrnehmen (Arnheim 1980^[x]) eine Schlüsselrolle zu. In der synästhetischen und sukzessiven (d.h. prozessualen) Wahrnehmung entsteht das architektonische Erlebnis des Raumes als das „Hier-Zwischen“.

Auch hier kann Kunst eine Brücke sein. Auf unmittelbare, aber un-sehbare Weise wird das Raumerlebnis evident durch das Hören. Es ist nach Gernot Böhme der akustische Raum, der „durch die Weite des leiblichen Spürens aufgespannt wird. (…) Hören ist ein Außer-sich-Sein, es kann gerade deshalb das beglückende Erlebnis sein zu spüren, daß man überhaupt in der Welt ist.“^[xi] Zwischen bildender und darstellender Kunst hat sich spätestens mit den italienischen Futuristen um Luigi Russolo^[xii] mit der Klangkunst eine eigene intermediäre Kunstdisziplin zwischen konzertant (linear) aufgeführter Musik und ortsbezogener bildnerischer Installation etabliert. Klangkunst kann den Raum und Das-im-Raum-Sein erlebbar machen, diesen aber auch verändern. 

Mit dem Projekt „bonn hoeren“ beruft die Beethovenstiftung Bonn seit 2010 jährlich einen Stadtklangkünstler. Mehrfach konnte auf diese Weise eine Zusammenarbeit zwischen international renommierten Klangkünstlern und Architekturstudierenden ermöglicht werden. Dabei sind diverse temporäre Klanginstallationen im Bonner Stadtgebiet entstanden, die jede auf ihre Weise einen neuen Zugang zum Raum ermöglichten: Beispielsweise wurden über mehrere Wochen der Ein- und Ausgangspavillon der U-Bahnhaltestelle Universität/Markt mit einer Komposition aus Heilklängen (bestimmter Frequenzen) bespielt, die die futuristische Architektur der Haltestelle zum Schweben und die eiligen Durchreisenden für einen Moment zur Ruhe kommen ließen. Der Friedensplatz wurde mit in Gullyschächten installierten und mit Computerlüftern betriebenen Orgelpfeifen (der Fa. Klais Bonn) klanglich aufgeladen und in einer weiteren Installation vermischten sich selbst komponierte Saxophonstücke mit monotonen Lüftungsgeräuschen der IT-Abluftanlage der Universität Bonn: So entstand aus einem technischen ein musikalischer Sound, aus einer funktionellen Zwangsläufigkeit eine künstlerische Möglichkeit.

Diese und viele andere Beispiele zeigen: Kunst kann den Raum verwandeln und eine Einladung aussprechen, sich selbst vom Raum verwandeln zu lassen. Die temporäre künstlerische Intervention verzichtet dabei auf eine vollumfängliche und dauerhafte Realisierung eines Idealzustandes, stattdessen geht es darum, ein „sinnliches Erleben der Möglichkeit zu ermöglichen. (…) Die Utopie wird pragmatisch und der Pragmatismus utopisch (…) um für einen Moment im Hier und Jetzt die Möglichkeit Wirklichkeit werden zu lassen.“^[xiii]

Denn „der Raum ist nicht. Er wird.“^[xiv]

^[i] Hartmut Rosa: „Resonanz. Eine Soziologie der Weltbeziehung“, Berlin 2016, S. 317f.  Hervorhebungen aus dem Original übernommen.

^[ii] Ebd., S. 482.

^[iii] Juhani Pallasmaa: „Die Augen der Haut. Architektur und die Sinne“, Los Angeles 2013, S. 21.

^[iv] Ebd., S. 14.

^[v] Dietrich Esterl: Einleitung, in: Bernhard Hanel, Robin Wagner (Hrsg.): „Spannungsfeld Kunst. Sinnhorizonte und Gestaltungsziele heute“, Stuttgart, Berlin 1997, S. 11.

^[vi] Peter Zumthor: Die Magie des Realen, in: Peter Zumthor, „Architektur denken“, Basel 2006, S. 83f.

^[vii] Juhani Pallasmaa: „Die Augen der Haut. Architektur und die Sinne“, Los Angeles 2013, S. 38.

^[viii] Wulf Schneider: „Sinn und Unsinn. Architektur und Design sinnlich erlebbar gestalten.“, Leinfelden-Echterdingen 1995

^[ix] Juhani Pallasmaa: „Die Augen der Haut. Architektur und die Sinne“, Los Angeles 2013, S. 16f.

^[x] Rudolf Arnheim: „Die Dynamik der architektonischen Form“, Köln, 1980

^[xi] Gernot Böhme: „Architektur und Atmosphäre“, München 2006, S. 82.

^[xii] Luigi Russolo: „L’arte dei rumori (Die Kunst der Geräusche)“, New York 1967

^[xiii] Friedrich von Borries: „Weltentwerfen. Eine politische Designtheorie“, Berlin 2016, S. 89.

^[xiv] Klaus Selle: Der Raum lebt, in: „Raum auf Zeit. Temporäre Interventionen im öffentlichen Raum.“ Band 1 2013; S. 7.

Ausstellungsbeitrag zu künstlerischen Projekten des Lehrgebiets Architektur und Kunst im Dialog im Rahmen von „interPRO. Interventionen und Projekte der Alanus Hochschule im öffentlichen Raum“

Preis: 28,00 EUR
172 Seiten
Verlag Beeren Berding Kluge
ISBN: 978-3000552533

Mit der Herausgabe des vierten Bandes der Buchreihe „Raum Auf Zeit. Temporäre Interventionen im öffentlichen Raum“ setzen wir die Veröffentlichung und Dokumentation von Projekten fort, die wir in den vergangenen Jahren in unterschiedlichen Konstellationen initiiert, entwickelt und umgesetzt haben.

Der dritte Band mit dem Untertitel „Reflexionen – Positionen – Haltungen“ (2015) war einer theoretischen Standortbestimmung gewidmet – als Ergebnis eines Symposiums von Interventions-Experten. Im vorliegenden vierten Band geht es nun – wie in den ersten beiden – wieder um konkrete Interventionen: Anhand elf neuer Projekte im urbanen oder ländlichen Kontext soll die stetig wachsende Projektzahl und -vielfalt dokumentiert und der Entwicklungsprozess in den Werken untersucht werden. Allen gezeigten Projekten gemeinsam ist der Versuch, öffentliche Räume künstlerisch zu untersuchen, ihre Themen zu identifizieren, verborgene Potentiale zu heben und den spezifischen Raum durch temporäre Eingriffe zum Sprechen zu bringen. Da fast alle Aktionen im Rahmen von Hochschulveranstaltungen durchgeführt wurden, dokumentieren sie zugleich unsere Absicht, neue Lehr- und Vermittlungsformate durch Reallabor-Situationen zu entwickeln und zu erproben. Die elf im aktuellen Band vorgestellten Projekte zeigen einerseits neue Orte, kollaborieren mit neuen Partnern und arbeiten mit neuen Materialien. Andererseits wenden sie altbewährte Prinzipien, Methoden und Gestaltungsmittel an. Der Prozess der gemeinsamen Entwicklung ist jedes Mal wieder spannend und das Ergebnis jedes Mal ein anderes.

Den Projekten vorangestellt sind zwei Texte zur Einführung: Antje Havemann (Landschafts- und Freiraumplanerin, Hannover) ordnet in ihrer Einleitung die vorgestellten Projekte und das Konzept „RaumAufZeit“ in einen großen kulturgeschichtlichen Zusammenhang ein. Prof. Klaus Overmeyer (urban catalyst Berlin, Professor für Landschaftsarchitektur an der Bergischen Universität Wuppertal) beschreibt in seinem Geleitwort den Nutzen der künstlerischen Entdeckungspraxis, begrüßt die aktive Einmischung künstlerischer Projekte in die Stadt- und Raumentwicklung und wünscht sich weitere Mitstreiter für eine akteursgetragene Entwicklung.

(Aus dem Editorial)

Preis: 25,00 EUR
140 Seiten
Verlag Beeren Berding Kluge
ISBN: 978-3000517983

Nach dem 2013 erschienenen Band 1 und dem 2014 erschienenen Band 2 ist dies bereits der dritte Teil unserer Buchreihe „RAUMaufZEIT“, die sich mit temporären Interventionen als Planungsprinzip, Untersuchungsmethode und Gestaltungsmittel auseinandersetzt.

Die Bände sind derart konzipiert, dass sie sich einerseits ergänzen, andererseits aber auch als eigenständige Werke bestehen, die jedes für sich gelesen bzw. durchgeschaut werden können. Wie schon die ersten beiden Bände soll auch das vorliegende Buch einen Einblick in unsere Arbeit, Methodik und Denkweise geben, die durchaus keinen durchgängigen Stil widerspiegelt – schon deshalb nicht, da wir die vielen Projekte in unterschiedlichsten Akteurskonstellationen entwickelt haben. Sie sind vielmehr geprägt von der Vielzahl der Ideen, von der Eigenart der Orte, der Dynamik der Prozesse und vom Geist der beteiligten Menschen. Während wir jedoch in den ersten beiden Bänden eine Auswahl von jeweils elf temporären Interventionen gezeigt haben, wollten wir in diesem dritten Band weitergehen und gemeinsam mit Mitstreitern, Vorbildern, Kollaborateuren, Gleichgesinnten und Andersdenkenden eine vielseitige theoretische Auseinandersetzung entwickeln, die temporäre Interventionen aus den unterschiedlichsten Blickwinkeln beleuchten.

Idee und Ausführung:
Willem-Jan Beeren, Florian Kluge, Max Wester, Claudius Bäuml

Kuratierung:
Nina Dunkmann

Laufzeit:
So. 10.05. bis So. 13.09.2015

Ausstellungskonzept:
Straßen, Wasserwege, Bahntrassen und Überlandleitungen gliedern und verbinden, trennen und zerschneiden. Sie sind die zentralen Gestaltungsmerkmale des Ruhrgebiets. Diese großen Schneisen prägen das Bild der Region und geben auch ganz aktuell Anlass zur Diskussion. Ist der Bau von Strommasten ein Indikator zur Energiewende oder Entstellung eines landschaftlichen Panoramas? Bedeutet eine direkte Autobahnanbindung Mobilität und Modernität oder Lärm und Gefahr? Verschiedene Raumprofile künden von verletzter Landschaft, von Renaturierung und von Strukturwandel. Diese Ausstellung unter dem herausfordernden Titel GREEN CITY visualisiert die ungewöhnliche und komplex vernetzte Landschaft der Ruhr-Region durch den künstlerischen Blick. Die Themen Ökologie, Klima, Umweltschutz und Energie sind nicht nur gesellschaftspolitisch von Bedeutung, sondern spielen seit langem auch im Schaffen zahlreicher Künstlerinnen und Künstler eine zentrale Rolle. Die LUDWIGGALERIE stellt ein Spektrum dieser eigenwilligen künstlerischen Beschäftigung vor, sowohl mit Werken regionaler Künstler als auch mit international renommierten Positionen. Kritisch untersuchende Werke zeigen Flüsse und Straßen. Setzungen im Außenraum gestalten die Landschaft skulptural oder mit Farbe. Fotografische Serien blicken auf die Rückeroberung von Räumen durch die Natur. Es wird mit natürlichen wie mit Industriematerialien gearbeitet, gattungsübergreifend und experimentell. Auch der eigentlich unsichtbare elektrische Strom kann zum Kunstgegenstand werden!
Kunstwerke in der näheren Umgebung der LUDWIGGALERIE öffnen den Museumsraum darüber hinaus in die Umwelt.
Ein höchst abwechslungsreicher und erfrischender Blick auf das Ruhrgebiet wird gewagt!
(aus: http://www.ludwiggalerie.de/de/ausstellungen/aktuell)

Beteiligte Künstler:
Dominik Asbach, Künstlergruppe B1, Matias Bechtold, Becker Schmitz, Willem-Jan Beeren, Helmut Bettenhausen, blicke Filmfestival des Ruhrgebiets, Axel Braun, Silke Brösskamp, Joachim Brohm, Peter Brüning, Pascal Bruns, Claudia Buch, Sebastian Daniel, Klaus Dauven, Barbara Deblitz, Gustav Deppe, Nikola Dicke, Günter Dohr, Roswitha von den Driesch, Jens-Uwe Dyffort, Susan Feind, Helge Fischer, Lutz Fritsch, Anett Frontzek, Klaus Geigle, Rolf Glasmeier, Werner Graeff, Friedrich Gräsel, Angelika Herker, Rudolf Holtappel, Jan Holthoff, Miriam Hüning, Mareike Hundt, Inges Idee, Johannes Jensen, Martin Kaltwasser, Heinrich Kasan, Eva Ketzer, Florian Kluge, Matthias Koch, Folke Köbberling, Kirsten Krüger, Mischa Kuball, Hendrik Lietmann, Maik und Dirk Löbbert, Sebastian Mölleken, Simone Nieweg, Performance Electrics, Ralf Raßloff, Tobias Rehberger, Dirk Reinartz, Andreas Ren, Rita Rohlfing, HA Schult, Richard Serra, Hans-Jürgen Söffker, Jana Kerima Stolzer, Thomas Stricker, Günter Tollmann, Wolfgang van Triel, Anna-Lena Tsutsui, Philipp Valenta, Manfred Vollmer, Pablo Wendel, Max Wester u.a.

Der Katalog zur Ausstellung ist im Kerber-Verlag erschienen.